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La Provincia - Diario de Las Palmas

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Artista de dibujo performativo

M. Lohrum: “Exploro el dibujo como residuo de un proceso de performance”

La artista tinerfeña M. Lohrum, ganadora del primer premio ‘Trinity Buoy Wharf Drawing Prize 2020’, posa con una de sus creaciones .

La artista Madeleine Lohrum ( La Laguna, Tenerife, 1986) acaba de recibir el primer premio ‘Trinity Buoy Wharf Drawing Prize 2020’ que concede la exposición de dibujo más prestigiosa de Reino Unido, con la obra performativa ‘You are It’. Esta pieza mezcla el dibujo con la performance y la instalación artística. Además, esta creación forma parte de la tesis doctoral que Lohrum está cursando en la Universidad de La Laguna, titulada ’Permormance y Dibujo: La huella del Cuerpo en el Dibujo Contemporáneo’.‘ La pieza galardonada desafía la noción individual de autoría al enfatizar la colectividad y la colaboración.

El primer premio británico que le ha sido concedido es uno de los más prestigiosos en el ámbito internacional, pero responde a una estética ultramoderna poco conocida en nuestros espacios de arte. ¿Quiere definirla?

Lo que hago en mi práctica artística lo defino como dibujo performativo, un término que utilizan también otros artistas en el Reino Unido que trabajan con un planteamiento similar, que exploran el dibujo como residuo o como consecuencia de un proceso que es una performance realmente. El dibujo final viene a ser como circunstancial porque no representa nada sino que es un registro visual de la performance con que se ha generado el mismo.

¿Explora también otras técnicas u otros impulsos creativos?

Desde 2016 llevo dedicándome a este tipo de obra. En el campo del dibujo no hago algo más representativo o figurativo, pero sí que es una obra que se mueve en un terreno interdisciplinar porque cada pieza es un dibujo, pero también una performance y, dependiendo de cómo se instale en la sala puede ser una instalación también y, por supuesto, una pieza de vídeo arte si la documentas en vídeo y luego la expones. Por ejemplo, en este concurso lo que mandé originalmente como pieza para que valorase el jurado era el vídeo con registro de la performance que se realizó en 2019 en el TEA Tenerife Espacio de las Artes, pero una vez seleccionada para el premio me pidieron que lo desarrollase como performance en vivo. Entonces lo planteamos como una pieza en que había unas instrucciones para que a lo largo del periodo expositivo los visitantes siguieran las reglas de la performance para elaborar el dibujo poco a poco entre ellos.

“La colaboración y el carácter colectivo son muy necesarios al vivir en una sociedad muy individualista”

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¿Refleja siempre su lenguaje la actualidad del mundo en el momento físico de la creación?

No siempre. Me gusta crear obras que respondan a la arquitectura del espacio expositivo en el que trabajo, e incluso a su historia. Lo de responder al momento presente surgió a raíz de 2020. El mes anterior a que se desatara lo de la Covid ya había hecho una obra en Madrid que resultó también ser bastante específica de la realidad que se empezó a vivir un poco después porque estaba relacionada con la sanidad. Utilicé objetos tales como jeringuillas, vendas o guantes. Exponer con relación a lo que se vive en el presente es algo que he descubierto recientemente y que exploraré porque me está interesando mucho.

¿Puede ser oportunista esa mención a la terapia del Covid o la cree representativa de una imagen abstracta de la realidad que nos toca vivir?

Si nos referimos a la pieza que envié al concurso ya digo que fue de 2019 y me interesaba que la elaborara el público, pero después, recontextualizada con el problema del Covid y de la distancia social en Inglaterra me pidieron que readaptara las instrucciones para que la gente pudiera participar sin comprometer su salud y seguridad.

La colectivización del hecho creativo es la base de la performance. Usted misma define su dibujo como performativo y emplazado en un site specific. ¿A qué viene ese rechazo de la individualidad y la ubicuidad del hecho artístico?

No es un rechazo de la individualidad. También tengo piezas que hago yo misma o en colaboración con otros artistas, pero sí que me gusta mucho generar un marco en que la gente pueda involucrarse y formar parte del proceso creativo. Pienso que es importante replantearse en el mundo en que vivimos el concepto de autoría para no solo un individuo porque se puede compartir entre muchos. Por otro lado, enfatizar el carácter colectivo y la colaboración es algo muy necesario porque vivimos en una sociedad profundamente individualista lo que al final acaba teniendo una repercusión muy negativa sobre cada uno de nosotros. Me parece más importante ensalzar valores que se están perdiendo. Además, yo misma como espectadora cuando me encuentro con obras en que puedo participar creo que me puedo relacionar de una forma mucho más íntima y conectar más con la obra. Me interesa como artista plantear este tipo de creaciones para generar en el público esa misma respuesta.

“Me gusta crear obras que respondan a la arquitectura e historia del espacio expositivo en que trabajo”

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¿No teme que la obra de arte se haga subsidiaria de una circunstancia de tiempo y espacio exteriores?

Pienso que las obras tienen, también, que hablar del presente. Nunca he visto una obra en la Historia del Arte como universal. Me parecen más interesantes cuando hacen referencia a lo que se vive en cada momento porque el arte cumple, entre otras, una función social donde parte de la responsabilidad de hablar sobre lo que ocurre en el mundo, generar debate y replantearnos las situaciones recae en los artistas.

Es usted tinerfeña de padre alemán y madre italiana. ¿Cómo procesa en su inspiración estas espiritualidades tan distantes?

Mi práctica artística mezcla distintas disciplinas e intento poner parte de mi experiencia e historia personal en lo que hago. Las performance, cuando las diseño, siempre están basadas en algo de mi vida personal que tiene que ver también con esa confluencia de culturas, entre países europeos y haber nacido y crecido en Canarias. Creo que esa mezcla me ha enriquecido mucho, además, como persona.

Está trabajando en la ULL su tesis doctoral sobre forma crítica e histórica del contemporáneo dibujo performativo. ¿Cuánto cree que durará su tiempo histórico antes de convertirse en pieza de museo?

Se trata de una disciplina muy joven que está todavía configurándose bajo la etiqueta de dibujo performativo o performance drawing, como lo llaman también, a veces, en Inglaterra, pero es cierto que, poco a poco también está ya colándose en los museos. Creo que al final, el mundo institucional y el mercado tienen un poder de fagocitar impresionante y cuando algo empieza a coger cuerpo enseguida se acaba integrando.

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