'Cerca No Importa Lejos', la pintura como refugio en los lienzos de Héctor Mar

Una canción de Extremoduro titula uno de los lienzos que se alzan en el rectorado de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (ULPGC). La vereda de la puerta de atrás es el nombre de uno de los cuadros del artista tinerfeño Héctor Mar (Héctor Moreno), cuya muestra, Cerca No Importa Lejos, se puede ver hasta el próximo 4 de abril en la galería de arte de la universidad, que abre su programación artística de 2025 con la obra del último Premio Manolo Millares de Artes Plásticas.

Después de un proceso de dos años de estudio en el que el autor se ha centrado en referencias contemporáneas, su exposición ve la luz tras haber pasado el filtro de un tribunal de expertos que decide qué artistas pueden presentar su obra en este espacio. Así lo contó el rector de la ULPGC, Lluís Serra, que ha hecho referencia a cómo, tras reabrir estas salas tras la pandemia, se optó por «huir de los personalismos en la elección de los artistas» y «de decisiones que pasaban o por el rector o por el equipo del rectorado», por lo que se abrió «un proceso participativo abierto de la gente solicitada a estar presente en este espacio», indicó.

Así, la muestra da la bienvenida con el juego de palabras de su título y un texto inicial del artista visual Luis Candaudap en el que se hace referencia a que «la singularidad de un artista no tiene tanto que ver con su biografía como con lo que la traspasa» y a la «sensación de asombro» que se siente «delante del soporte». A Moreno le atraviesan la ciudad, lo urbano, las figuras geométricas y las influencias de los grandes artistas, algunos canarios, que le precedieron.

«Es un trabajo muy autoreferencial que habla desde la propia pintura. Me parece bonito estar aquí en Las Palmas, porque justo mi obra ha chupado mucho de artistas de aquí, tanto desde Oramas hasta Chirino o Millares. Ha sido un proceso de entender la contemporaneidad. También están presentes toda la escultura de Richard Serra o la pintura de Gerard Richter», explicó el autor en relación a sus referentes.

Por otro lado, Moreno, que concibe la pintura como un refugio, compara su arte con una estación subterránea del metro de Berlín en invierno, lugar en el que vivió durante unos meses. «Hice una comparación con que justo encontraba yo que, en ciertas paradas, no sé si fue el invierno o qué, la gente solía encontrar esos lugares también como un refugio. Y justo estas estaciones de metro también tenían algo muy concreto: jugaban todas con planos de colores, con esmaltes de azulejo, tenían unas composiciones muy brutalistas, muy norteuropeas. Ahí hallé ese punto de encuentro», explicó el artista.

El proceso creativo

Entre un océano, Aunque es de noche, We could be ashes, Temporadas y Fichajes, Es Difícil Borrar Memorias. Los títulos de otras de las piezas evocan a la vida misma atravesando las manos del artista que, dependiendo de su estado emocional, afronta el proceso creativo de una forma u otra.

«Mi proceso va muy ligado a cómo me siento yo cuando entro al estudio. En función de cómo me sienta anímicamente y de la energía que tenga en ese día, trabajo una vía u otra. Hay algunas vías que son más viscerales, que son más inciertas, en las que se trabaja el error constantemente. Y hay otras, como por ejemplo en Mil ovejas o Entre un océano, que son más templadas y van como a un objetivo final. Pero, por la norma general, mi trabajo nunca tiene un boceto ni un final claro o esperado», relevó Moreno.

Las geometría en la base

Al margen del camino creativo utilizado, en la base de la obra del artista están, tal y como él mismo indica, las figuras geométricas. «La raíz principal de toda mi obra es la geometría, porque lo intento reducir todo ahí. Intento coger la imagen y reducirla a algo simple», apuntó. En este sentido, en la explicación de la exposición, Moreno cita al pintor estadounidense Peter Halley, para el que «la geometría es también el lenguaje de la clase dirigente. Es el lenguaje de la empresa y el diagrama, la planificación y las comunicaciones».

Así, Moreno hace alusión a las señales de tráfico que indican direcciones obligatorias o a esas formas que plantean «la existencia de un Estado, un pacto social, un deseo de seguridad, un modelo de movilidad, un miedo a la sanción... Cada uno de los elementos de nuestro urbano narra una historia», en palabras del artista tinerfeño.

A pesar de abrazar la pintura como eje vertebrador en esta muestra, Moreno terminó por confesarse: «A mí me gusta pensar que soy escultor». «Yo entiendo la pintura como una masa corporal y esa masa corporal seguramente tenga que ver más con la escultura. Lo que pasa es que me gusta trabajar en formato bidimensional, pero creo que de lo que más bebo y lo que quiero hacer yo sentir con mi pintura, tiene que ver más con la escultura. Pero, por economía de los medios y por intereses propios, me he quedado en lo bidimensional», concluyó.