Del MoMA a una exposición en Gran Canaria: el arte crítico de Adam Pendleton que se exhibe en la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura

El artista Adam Pendleton (1984, Richmond, EE.UU.) rehúye de pintar el pasado, ni anticipa el futuro. El discurso plástico que escribe se redacta en presente. Admite en The New York Times que «la nostalgia» no es lo suyo, mientras compone su propia gramática visual en negro sobre blanco, un abecedario político abierto a la incertidumbre del futuro que puede leerse desde ayer en la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura (FCDP).

El abecé visual de sus cuadros y pinturas se realiza a partir de repeticiones serigrafiadas, en las que capa sobre capa, construye un collage para disertar sobre el campo de batalla que es la historia desde el presente. «La historia es una variación infinita, una máquina en la que podemos proyectarnos a nosotros mismos y a nuestras ideas. Es decir, es nuestro momento presente», afirma.

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Esa forma de pensar el tiempo y su representación abstracta está en el núcleo del Big Dada, el manifiesto que escribió en 2008 y que continúa funcionando como la base de su práctica artística. En el texto toma el espíritu disruptivo del dadaísmo para construir un imaginario contemporáneo donde la abstracción, el minimalismo y el lenguaje se tensan políticamente. Su obra, expuesta en galerías como Pace, David Kordansky o Max Hetzler, y en instituciones de renombre como el MoMA de Nueva York, el Hirshhorn Museum en Washington o el mumok de Viena, propone una forma de ver y leer el mundo desde el arte como herramienta crítica.

Y por primera vez, su tesis aterriza en Canarias. La FCDP inaugura en inédito la primera exposición del artista americano en el Archipiélago, Anthology. Uno de los proyectos «más complejos de programar», esboza con una sonríe victoriosa Yaiza Tranche, actual regente del espacio. La fundación sufría un parón expositivo desde el 28 de noviembre, al término de la muestra Una mirada poliédrica firmada por el pintor madrileño José Manuel Ballester.

Esta muestra individual contrapone en su recorrido dos pinturas de gran formato parte de la serie Untitled (We are not), junto a una cuadrícula de 48 dibujos elaborados sobre material de poliéster Mylar. Ambos lienzos de Untitled dialogan desde lo opuesto, como la cara A y B, con un mensaje racial similar al del popular movimiento Black lives matter contra la violencia policial en el asesinato de George Floyd.

«Él elige muy bien dónde exponer», subraya Tranche en un breve paseo por la sala. Tanto el proceso de montaje como de desmontaje han debido de seguirse estrictamente por un manual de instrucciones de la galería estadounidense Pace. «La sala debía estar acorde a lo que él pretendía», refleja Tranche.

Sin ir más lejos, el cuidado proceso de montaje abarcó dos días de trabajo, ya que cada uno de los 48 dibujos debía estar milimétricamente medido en su distancia del suelo y el techo. «Como artista, revisa qué tipo de obras se han expuesto anteriormente o se mantienen en la colección», refleja.

La primera vez que el ojo crítico de la actual gestora de la fundación Yaiza Tranche y el de su padre, el coleccionista y fundador del espacio, José Luis Tranche, se posó en uno de los cuadros subversivos del estadounidense fue en la feria Arco de 2016. Se trataba de un lienzo oscuro, sin título, que no lograba despertar inquietud en otros asistentes, pero del que ambos quedaron prendados y decidieron adquirir. 

En la colección de la fundación se encuentra esta obra, colgada en la oficina que hay en el piso superior de la sala de exposiciones, además de otras piezas pertenecientes a la serie A victim of american democracy (2017) y las nueve pinturas de Waiting is the function (2018). «Desde entonces su carrera ha sido ascendente y ya entonces sabíamos que su obra era especial. Además, no compramos para vender. Hay artistas que se revalorizan y todo lo que hacemos en la fundación es siempre con un fin filantrópico», argumenta.

Ocho años después, aquel primer encuentro cristaliza en la presente exposición de la fundación, abierta hasta el 25 de septiembre y auspiciada por el galerista Pedro Cera, uno de los profesionales de mayor perfil internacional en Portugal y representante de Pendleton en España.

Cuenta Tranche que «Pendleton contextualiza la historia a través de muchos procesos complejos», tal y como se aprecia en los 48 lienzos cedidos por la galería contemporánea Pace, que desde Nueva York cruzaron el Atlántico para acabar en la capital grancanaria. 

Pendleton, un artista de 41 años que trabaja desde su propio estudio en Brooklyn, mantiene una visión clara de su arte. Untitled (Who we are) y Untitled (We are not), confeccionan un lenguaje de concatenaciones literarias mediante el aerosol y los pinceles. La técnica que le caracteriza se denomina estarcido y en ella crea campos estratificados de texto, a las que añade objetos, fotografías y fotocopias.

Como artista multidisciplinar, Pendleton entrelaza literatura, videocreación y artes visuales en un corpus expandido que desafía los límites creativos. En sus videorretratos compone desde lo documental, mediante la idea del collage audiovisual en el que se cruzan memorias personales, textos leídos en voz alta e imágenes de archivo. Figuras como Lorraine O’Grady, David Hilliard o Jack Halberstam han sido protagonistas de estos retratos que alternan lo íntimo con lo político, y el ensayo visual.

En su última exposición en el Hirshhorn Museum de Washington, Adam Pendleton: Love, Queen, el artista sorprendió al incorporar por primera vez el color en el fondo de sus pinturas. Aunque mantiene su característico uso del blanco y negro para el texto y la forma, los campos de color introducen una nueva dimensión en su lenguaje visual.