Luis Miranda, director del Festival de Cine de Las Palmas: «Bi Gan es el autor que marca el cine actual»

¿Qué esconden las caretas del cartel del 25º Festival de Cine?

La primera es una careta de teatro Noh japonés y una alusión a una de las películas en la sección Camera obscura que es donde recuperamos cine mudo que proyectamos con música en vivo. Se titula Una página de locura, y es una película de vanguardia de 1926, que cumple cien años, ambientada en un manicomio donde hay una escena al final en la que aparecen esas máscaras. También hay otros clásicos japoneses como Orochi y estos filmes los vamos a proyectar con un benshi, una figura propia del cine mudo japonés que es el explicador de películas. En Japón desde muy pronto ya hay estudios locales basados en géneros y formas del teatro kabuki. El explicador lo contaba todo de forma desenfadada o humorística. Y ahora en Japón hay una serie de profesionales que se dedican a realizar la figura del benshi que forma parte de una iniciativa organizada por Yanai Initiative. A través de ellos hemos podido contar con este benshi que se llama Ichiro Kataoka. Por otro lado, la careta de en medio es la de un personaje de la Ópera de Pekín. La pusimos por Bi Gan, porque le damos la Lady Harimaguada de Honor este año y porque es un cineasta joven y es el autor que marca el estado del arte cinematográfico actual. Si hay un cineasta joven que merece el adjetivo originalidad es él porque su cine, en cierto modo, representa una especie de puente entre el cine chino que más hemos podido ver en los festivales de occidente, de la realidad china actual, pero conecta con esa tradición realista de la imaginación llena de influencias de todo tipo. La tercera máscara es de un personaje mitológico del teatro katakari indio. Igual que en 2002 hicimos un ciclo sobre el cine de Bollywood, este año tenemos un ciclo vinculado a una entidad llamada Film Heritage Foundation, que ha sido creada por un archivero y cineasta indio llamado Shivendra Singh Duncarpur que restaura películas de todo el patrimonio cinematográfico indostánico. Dentro de esas películas hay un título de Satyajit Ray, de 1971, que ha sido recuperado, Días y noches en el bosque, poca conocida dentro de su filmografía clásica.

¿La presencia del cineasta chino Bi Gan es uno de los grandes atractivos de esta edición?

Si hay una película que representa lo que el cine puede hacer hoy en día es Resurrection, la película que estrenamos de Bi Gan, que esperamos que sorprenda al público. Es realmente un canto de amor al cine porque en ella se cuentan sueños por una especie de ser cinematográfico. Y es un intento de hacer una película que pueda manejar muchos estilos diferentes. Da la impresión que aquí Bi Gan puede hacer lo que desee, y será cuando le demos la lady Harimaguada. Y luego tendremos una conversación con él. Él ganó nuestra sección oficial a concurso de 2016 con Kaili Blues.

¿Y qué fue lo más le sorprendió de ese título de hace diez años?

Era la historia de un médico en un entorno rural. Pero en un momento dado se convertía en un plano secuencia de 45 minutos que iba acompañando a los personajes recorriendo toda la localidad donde hay toda una serie de personajes y que se va convirtiendo en un bucle temporal. La película pasa a ser cine inmersivo, que cuenta una historia de ficción para contar historias y seres reales, que es una de las características del cine actual. Básicamente, lo que hacían los neorrealistas hace setenta años.

¿Podrá interactuar Bi Gan con los asistentes al festival?

Sí, porque va a presentar dos películas chinas que se encuentran entre las que le han influido. Hay una de Jia Zhangke, el gran cineasta chino actual, al que el dimos el premio de honor en 2010 y cuya película The World ganó el premio en 2005 a mejor película y Bi Gan la ha elegido. Y un clásico del año 1948 que se llama Primavera en un pequeño pueblo que es el clásico por excelencia del cine chino pero que aquí nadie la ha visto, y es de un cineasta de los años 30 llamado Fei Mu. Es un melodrama precioso, minimalista, chevojiano. Y había una tercera llamada El rey de los niños, del 87, de la quinta generación del cine chino, de Chen Kaige, autor de Adiós mi concubina. Hizo esta película que Bi Gan había elegido, pero que no ha sido posible obtener a tiempo los permisos pertinentes del gobierno chino.

¿Cómo eligen las películas de la sección oficial a concurso?

Solo hacemos la selección mirando el valor de las películas en si mismas. La selección la hace el equipo del festival. Hay algunas que hemos visto en festivales y otras que nos han ido enviando o que leemos sobre ellas y pedimos que nos las manden. Y a partir de ahí tenemos un enorme material que el equipo elige. Los cortos si son una selección más personal, con Andrea Patru, pero creo que desde hace diez años tenemos una de las mejores selecciones de cortos del panorama español. Es un poco minoritario, pero ya quisieran muchos festivales tener este nivel. Es uno de nuestros puntos fuertes. Tanto la sección de largos como cortos intentamos que sea diversa y que las propuestas tengan autenticidad, honestidad con respecto al material.

Banda aparte se caracteriza por ser la sección más radical del festival, ¿qué ofrece este año?

Hay una parte monográfica dedicada a Ignacio Aguero, un cineasta veterano que hace un cine documental, como una herramienta de exploración de la realidad, que es lo que persigue este festival. El cine de Aguero es la memoria de Chile, entre la experiencia personal y la historia. Y hay otra parte panorámica con documentales experimentales. Hay concretamente dos títulos esenciales. Por un lado, Bajo las banderas el sol, de Juanjo Pereira, una de las más importantes del año. Y, por el otro, El príncipe de Nanawa de Clarise Navas sobre la permanente reconstrucción de la historia. Tienen que ver con las relaciones entre historia y memoria.

Antes hablaba del ciclo Camera obscura. Precisamente, el filme de la gala inaugural, está dentro de este ciclo de cine mudo.

Tenemos el Fausto de Murnau con música en directo del grupo tinerfeño Gaf y la Estrella de la Muerte en la apertura. Luego, una sesión doble con dos mediometrajes franceses que cumplen cien años con música de Jonay Armas. Y las sesiones japonesas con el benshi. También hay otro ciclo importante para este año, una entidad de Bombay de la que te hablé sobre la máscara india. Nos hemos puesto de acuerdo con su director, que también va a formar parte del jurado. Se llama Shivendra Singh Dungarpur. Y dirige ese ciclo llamado Tesoros restaurados.

También hay un ciclo dedicado a cineastas fallecidos.

Hay cinco tributos a figuras que nos dejaron el año pasado. Por el primero, Robert Duvall, proyectaremos Apocalipsy now Finalcut, que acaba de hacer Coppola. Puede que solo incorpore algunas pocas imágenes, pero en pantalla grande siempre mola mucho y un sábado a las 9 de la noche en plan sesión nocturna. El segundo homenaje es al actor de Ran, Tatsuya Nakadai, que encarnaba al padre feudal. El tercer homenajeado es Frederick Wiseman y pondremos Titicut Follies que fue su primera película documental de 1967 y es una inmersión en una institución estatal en Massachusetts para criminales dementes y ahí descubre que eso es una brutalidad, por eso el filme estuvo secuestrado hasta 1992. Hasta su última película en 2023 hizo documentales que se introducen en todas las instituciones de la sociedad, la política y cultura norteamericana. También pondremos El desprecio de Godard por Brigitte Bardot Y, finalmente, Sátántango de Béla Tarr, basada en un título del último premio Nobel de literatura, el escritor húngaro László Krasznahorkai que siempre colaboró con él, de siete horas y 15 minutos, de duración y que se titula Tango satánico originalmente.

Con esa duración, me imagino que es uno de los grandes retos para los cinéfilos de verdad.

Se pondrá en dos sesiones de mañana y tarde. Y vamos a tener un coloquio después organizado por el Aula de Filosofía Manuel Alemán. Hace unos años pusimos una película de un cineasta filipino llamado Lav Díaz, titulada Melancolía, que duró once horas. Él se empeñaba además que había que verla seguida. Son ejercicios radicales desde mi punto de vista muchas veces. Santantango está dividida por capítulos y admite otro tipo de visionados más fragmentarios. Ponemos primero tres horas y pico. Será el primer sábado 25 y es para tener una experiencia inusual. Es una película sobre una granja colectiva en un mundo distópico postsocialista en ruinas, en un mundo muy enralecido y un personaje que retorna. Es la descripción de un mundo que parece estar flotando más allá del tiempo, en donde el contacto con el mundo parece haberse detenido. Una dsitopía anímica. El meteorito es un nubarrón negro de miseria. Son planos secuencia. A Tarr se le compara a Tarkovsky, pero está más cerca de Fassbinder, más materialista. Su cine tiene ese tono turbio y extraño. Por eso yo digo que hay que fluir con ella, porque es muy hipnótica por el tempo. Es como sumergirse en espacios y lugares en los que hay esa atmósfera de sensación de ruina o desmantelamiento de todo un mundo. Es la obra cumbre de este cineasta y queríamos hacerlo a pelo.

¿Y qué diría del cine canario que también concursa?

El cine local tiene un nivel medio que ya quisieran muchas localidades con festival que dedican una parte a su cine. Pocos tiene la suerte de mostrar un buen nivel. Y justo detrás de nosotros se celebra Animayo, algo que nos viene muy bien a ambos festivales. El suyo es más joven, pero hay una especie de continuidad de dos eventos con vocaciones muy cinefilas.

Otra sección que aman los cinéfilos es Panorama.

Son películas de autores actuales que son perlas de otros festivales, y tratan sobre el estado del arte, pero que no han tenido estreno en salas. Y allí está el Drácula de Rado Jude, que quizás sea uno de los cineastsa que hemos programado más y ha venido muchas veces invitado al festival. Para mucho es el cineasta más punky de la actualidad, es un gamberro inteligente. También hay una película de un cineasta japonés llamado Sho Miyake titulada Two Seasons, Two Strangers, que me parece un talento muy interesante. Es un cienasta extremadamente delicado, tiene un sentido sutil del encuadre y la puesta en escena muy preciosista. Tiene una personalidad que hereda lo mejor del cine japonés clásico, siendo además muy moderno. También una película documental de Lucrecia Martel titulada La tierra también que se mueve enlos márgenes de historia y memoria.

Dos conceptos que definen mucha de la cinematografía que se hace en estos momentos

El cine actual tiene una obsesión con esta cuestión, pero la cultura de los últimos cientos y pico años se basa sobre también eso. Yo tengo la idea de que las últimas generaciones tienen dificultades de manejarse con la historia. De hecho, el cine actual tiene dificultades para representar el pasado histórico sin incurrir permanentemente en la victimización. Y eso es injusto porque implica pensar en el pasado como si estuviera dividido en dos bandos.

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