M. Lohrum baila y medita con el dibujo performativo

La artista tinerfeña M. Lohrum subvierte, una vez más, los códigos del dibujo clásico en su última exposición, Ritmo en capa, que ayer se inauguró en la Fundación Canaria de Arte Tranche (FCAT) (calle Domingo J. Navarro, 32). La muestra estará abierta al público hasta el 20 de agosto, con horarios de visita los jueves de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 19.15 horas, y el resto de la semana bajo cita en la dirección electrónica fundacion@fcat.org.es.

M. Lohrum es un referente en el dibujo performativo a nivel mundial. De hecho, entre sus premios, se encuentra el Trinity Buoy Wharf Drawing Prize 2020, la distinción más prestigiosa de dibujo que se concede en Reino Unido y una de las más reputadas a nivel internacional. «Mi trabajo siempre ha tenido un carácter híbrido e interdisciplinar, desarrollándose en el límite entre el dibujo, la performance, el vídeo o la instalación», señala la artista. «Esta exposición recoge obras realizadas durante los últimos tres años, en los que esta hibridación se expande también hacia la pintura. No es pintura, ni dibujo, ni performance. Es algo a medio camino entre ellos».

Ritmo en capa está compuesta por dos series de 24 obras que llevan los títulos de Rituals y Snippets of Rhythm, y que se complementa con un vídeo de 6 minutos y 18 segundos hecho en exclusiva para esta muestra, en la que se perciben elementos del yoga o el zen.

«Una serie surge de la otra, y hay una cierta continuidad formal y conceptual entre ellas, aunque también hay diferencias», señala. La primera, Snippets of Rhythm, «está inspirada en la danza, actividad que realicé durante 12 años. En ella fluyo con los materiales y la energía es más cinética y expansiva». La otra, Rituals, «está relacionada con otra práctica también de gran importancia para mí y que llegó muy temprano a mi vida de la mano de mi abuela: la meditación o atención plena. Las obras de esta serie tienen una energía más calmada y contenida». Ambas están basadas en acciones profundamente arraigadas en el cuerpo y la propiocepción.

Movimientos corporales

La forma de creación de la artista tinerfeña se basa en sus movimientos corporales sobre un lienzo en el suelo que incluye una parte de espontaneidad y otra de preparación previa. «Siempre hay un equilibrio o baile entre ambos», afirma.

«Diseño un marco de trabajo específico basado en la elección de materiales, movimientos o gestos, pero luego la espontaneidad o el azar también juegan un papel muy importante y acaban condicionando tanto el desarrollo como la apariencia final». El resultado va más a la psique que a los sentidos. «Estas obras surgen del cuerpo y en ellas hay mucho de ceguera, tanto en su creación como en su observación». Son obras que no están dominadas por la vista, sino por sentidos corporales como la psicomotricidad, la propiocepción y el tacto.

«Obviamente la vista también media en el proceso, pero no de una forma tan dominante como en el dibujo tradicional. Se interpela al espectador de otra manera».

«No es dibujo, ni performance, ni pintura, sino algo intermedio entre ellos», aclara.

La artista subraya que «para llegar a las obras que hago ahora, me ha llevado nueve años de profundización en el dibujo performativo. Pero también todos aquellos intereses que me han acompañado siempre han sabido hacerse un hueco en mi práctica artística de manera muy natural».

Pero, en este caso en particular, se incluye un vídeo de la performance que muestra el proceso de realización de una obra. «Es en sí mismo una pieza clave en la exposición. En mi práctica, el proceso es tan obra como el resultado final, y esto significa que hay que darle importancia a nivel conceptual y plástico. No se trata de un vídeo al estilo cómo se hace, es una pieza artística en sí mismo. Todo en él está planteado cuidadosamente. Desde la coreografía y el vestuario hasta la iluminación o el lenguaje cinematográfico».

Objetivos

Finalmente, la artista recuerda que el dibujo performativo tiene varios objetivos con respecto al clásico. «En primer lugar, cuestionar la definición del propio concepto de dibujo. El mundo evoluciona y el arte también. No tiene sentido que pensemos las cosas del mismo modo que lo hacíamos antes, porque la realidad es otra».

Por otro lado, «dar protagonismo al cuerpo, la experiencia corporal y al pensamiento corporeizado, frente a un enfoque más frío e intelectualizado».

Por último, dotarlo de autonomía artística y liberarlo de su tradicional rol de boceto o estudio preparatorio. «El dibujo es hoy en día un campo de investigación artística en sí mismo».