Mónica Aguiar: "Sentir que lo que haces tiene sentido también para otras personas reconforta"

Está de estreno, este viernes “El lodo que fuimos” verá la luz en el Teatro Guiniguada, ¿cómo se sientes?

Estoy muy ilusionada de volver a compartir nuestro trabajo, siempre con nuevos retos y profundizaciones y poder hacerlo en este espacio tan especial. Además el sábado estaremos en el Espacio La Granja de Santa Cruz de Tenerife así que será un fin de semana redondo e intenso para la compañía.

¿Qué tiene “El lodo que fuimos” para enseñar al mundo? ¿Quiénes son sus personajes?

El lodo que fuimos, es una tragicomedia sobre la “estupidez” humana que invita a reflexionar sobre la importancia de valorar las consecuencias de los propios actos para permitir la sostenibilidad del planeta. Es una obra que a través del lenguaje del absurdo y de dos personajes un tanto esperpénticos (un rey y un bufón) nos plantean muchas cuestiones existenciales en las que nos podemos ver reflejados como sociedad.

¿Cuándo y cómo surge la idea para crear esta obra teatral?

Isabel y yo teníamos ganas de trabajar juntas y empezamos el proceso creativo pensando en temáticas que nos movilizaran y recopilando material inspirador (textos, imágenes, películas…) Había un interés personal en seguir indagando en la temática del proyecto anterior (las relaciones de poder) pero esta vez desde una perspectiva diferente y llevadas a su afectación sobre el planeta. Así que a partir de la re-lectura de Antígona, y de la imagen final de la obra, surgió esta idea de ubicar a un personaje del pasado y arquetípico: un rey, en un escenario del futuro y apocalíptico. Enseguida Isabel propuso que el acompañante de este rey fuera un bufón. Y desde ahí se desplegó toda la investigación y el proceso de creación.

Nuestras obras son de creación propia y surgen desde ese lugar en movimiento que está vivo. De esta forma, un espectador puede ver la misma obra varias veces y siempre encontrará algo nuevo fruto de esta evolución.

Mónica Aguiar

— Actriz

En el año 2020 construye la compañía “La lnasible”, ¿por qué este nombre?

La INASIBLE hace referencia al carácter efímero del teatro. Esa cualidad, en nuestra forma de entender el trabajo, es determinante y la ponemos en valor a través de la búsqueda constante mediante la experimentación. Por eso nuestras obras son de creación propia, y surgen desde ese lugar en movimiento que está vivo. De esta forma, un espectador puede ver la misma obra varias veces y siempre encontrará algo nuevo fruto de esta evolución.

La INASIBLE también nos habla de la poética del teatro y esto es algo que nos fascina y define. Ese espacio de imaginación, misterio, evocación… que no está presente físicamente pero que se desata en el espectador a partir de lo que ocurre en escena.

“Quién vive. Estampas del desierto” es la obra primogénita de la compañía. Estrenada en el año 2020 y tres años más tarde, continúa en activo… ¿Cuáles son los ingredientes de esta obra? ¿Qué trata de mostrar?

“Quién vive. Estampas del desierto” es una obra que surge a partir de la premisa de que hay una falla en una sociedad que no se moviliza,  o al menos no lo suficiente, ante los abusos de poder que se dan en las relaciones entre hombres y mujeres y que se manifiestan en un lugar más extremo (pero no por eso poco común) en la violencia de género. Es una obra que aborda el tema desde un lugar profundo y al mismo tiempo lo hace desde la poética y la belleza de las imágenes que propone. 

Lamentablemente, es un contenido totalmente actual, como podemos ver, y aunque se muestra una cierta evolución en la sociedad todavía queda mucho trabajo por hacer. Por eso la obra también está funcionando dentro de un proyecto junto a un debate posterior dirigido a alumnado de secundaria y bachillerato. Además de para público general ya que su puesta en escena, contemporánea y visual, ha hecho que el espectáculo haya participado en el 24ª Festival Temudas, haya sido seleccionado para el XII Festival CENIT de Sevilla y para el 20ª Festival de Teatro Contemporáneo Encuentros del Teatro Victoria.

El próximo 11 de octubre está programado en el Teatro Víctor Jara.

En 2021 se incorporaba a “La Inasible” la actriz Isabel Cabrera y, este año, lo hizo Sara Alvarez, también actriz y directora. ¿Cómo es trabajar con estas mujeres y cómo llegan a la compañía?

Isabel Cabrera  que es actriz, creadora y narradora oral de la isla de Lanzarote y yo nos conocimos en el acto “Mujeres: salimos a escena” que se hizo justamente en el Teatro Guiniguada en 2019 y enseguida conectamos y encontramos puntos comunes en nuestra forma de entender el teatro y referentes compartidos, además de afinidad a nivel personal. Yo había llegado a Gran Canaria con un proyecto en solitario y tenía ganas de trabajar con otras personas. Isabel en ese momento estaba a punto de iniciar una formación en el Laboratorio del TNT en Sevilla así que la forma de hacerlo no estaba clara pero sí se creó un objetivo común. En 2020, gracias también al apoyo en la producción del ICDC y al patrocinio del Ayuntamiento de Arucas pudimos abordar El lodo que fuimos. Sara Álvarez, se incorporó en el proyecto como ayudante de dirección en una etapa más avanzada y pronto le propusimos formar parte del equipo estable.  

En este proyecto además ha participado un equipo de mujeres fantástico: Cristina Alba en el diseño de iluminación, Silvia Grimaldi en el vestuario, Elvira Etayo en la escenografía y Virginia Arencibia nos acompañó en las 3 primeras funciones en el espacio sonoro.

La sociedad continúa poniendo piedras en el camino de la mujer en el ámbito laboral, ¿ha dificultado o hecho más duro abrirse paso en el mundo empresarial y artístico para usted como mujer artista y creadora de su compañía?

Para mí es difícil de valorar la repercusión que puede tener en mi trabajo el hecho de ser mujer. Las cifras hablan por sí solas en relación a las programaciones en las que hay una gran diferencia en el número de propuestas en cartel de espectáculos hechos o dirigidos por mujeres en comparación con los de los hombres, también se sabe que la mayoría de los programadores son hombres y que la mayoría del público de teatro son mujeres pero como digo las estadísticas están ahí para sacar conclusiones. En mi experiencia además de como mujer, como mujer artista y con una compañía independiente lo que sí me he encontrado es con muchos micromachismos a la hora de tratar cuestiones organizativas y técnicas con los espacios y algunas veces tengo la sensación de que no me toman en serio.

Desde el año 1997 hasta 2018 ha trabajado con distintas compañías en Madrid y Barcelona, ¿cómo es volver a trabajar en casa? 

Para mí la vuelta ha sido bastante fluida, el haber hecho ese recorrido anterior me ha permitido volver a Canarias desde un lugar diferente, en un momento profesional en el que tengo necesidad de crear y de compartir. Aquí he encontrado un contexto que me permite tener una cierta tranquilidad para poder dedicarme a estas cuestiones. Hay una gran diferencia a nivel de energía lo que implica vivir en una gran ciudad en la que todo va más deprisa, es más caro y hay un millón de estímulos, que el vivir en una isla. Por supuesto todo eso ha sido un gran aprendizaje que forma parte de lo que hago ahora. 

¿Qué dificultades tiene dedicarse al teatro en Canarias?

Las dificultades que puede tener dedicarse al teatro en Canarias están relacionadas con el límite geográfico insular, que lleva implícito una logística más compleja para mover tu espectáculo fuera de la isla. Esto hace también que las características propias del lugar y sus dinámicas inherentes tengan un reflejo directo en las propuestas artísticas. 

Estamos en un entorno donde apenas existen salas independientes y la mayoría de los espacios de exhibición teatral son públicos, las producciones de la compañías también se sostienen mayormente de ayudas de estas instituciones. Esto, desde mi punto de vista, hace que haya menos variedad y libertad creativa pero, de alguna manera, permite y ayuda a la sostenibilidad y consolidación de las compañías.

Es gratificante que se valore lo que haces y más cuando hay detrás un gran esfuerzo. Es bonito también recibirlo de personas a las que admiras. Sentir que lo que haces tiene sentido también para otras personas reconforta.

Mónica Aguiar

— Actriz

Ha logrado el premio a la Mejor Interpretación en los Festivales Internacionales VII CENIT de Sevilla y XII TEA de Toledo, ¿qué siente uno al ver que su trabajo da tan buenos frutos?

Es gratificante que se valore lo que haces y más cuando hay detrás un gran esfuerzo. Es bonito también recibirlo de personas a las que admiras. Sentir que lo que haces tiene sentido también para otras personas reconforta. Sin embargo, luego, vuelves a retomar tu trabajo en el mismo lugar en donde estabas. Sigues ensayando, creando, buscando funciones…  Y cuando alguien del público se acerca emocionado tras una actuación vuelves a sentir que merece la pena.

Actualmente guía el “Espacio Permanente de Creación”, ¿en qué consiste?

Es un espacio de laboratorio en el que se busca despertar el cuerpo poético y se experimentan procesos de creación a partir de diferentes imputs. En este momento este espacio está en pausa y estoy haciendo una revisión de la propuesta. También acompaño a actores y actrices en sus propios procesos creativos desde la mirada externa.

¿Hay ya nuevos proyectos en el horizonte?

El lodo que fuimos se estrenó en el Nuevo Teatro Viejo de Arucas y la hemos presentado en la Sala Insular de Teatro y en el Teatro Victoria de Tenerife, en el 21º Festival de Teatro Contemporáneo: Encuentros. Queremos seguir moviendo la obra por las islas, en diciembre la presentaremos en Lanzarote, y en festivales.Y sí, ya hay idea de un proyecto futuro que queremos iniciar el próximo año.